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リベラ・メ ― フォーレ《レクイエム》を聴く [音楽]

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Gabriel Fauré

アンドレ・クリュイタンスのフォーレの《レクイエム》は、Venias盤の The Collection の話題のときにすでに触れたが (→2015年10月14日ブログ、→2015年10月18日ブログ)、クリュイタンスのフォーレは、レコードを買い始めた頃、つまりごく若い頃に私が買い求めたLPのなかの1枚で、その時代を思い出すととても懐かしい。単純に音楽だけでなく、それを聴いていた身の回りの情景とか友達などのことまでもが思い浮かぶ。
その頃の私にとってLPはとても高価だったから、所有枚数も少なく繰り返し聴くしかなかったのだが、同じように繰り返し聴いたのがフランクのヴァイオリン・ソナタで、でもフォーレとフランクという選択は偶然だったのか、それとも好きだったから選んだのか、今となっては判然としないけれど、渋い子どもだ、とも思う。

クリュイタンスのレクイエムには2種類あるが、有名な1962年パリ音楽院管弦楽団との演奏が白眉であって、1950年のモノラル録音のほうは古風で鄙びた音がするが印象としては弱い。
ヘレヴェッヘにも2種類の同曲の録音があるが、期待して聴いてみたら、予想に反してキツい感じがして一度しか聴いていない。クリュイタンス盤の刷り込みがあまりに強過ぎるのかもしれないとは思うのだが。

CDになってからも何回もリリースされていてリマスターもされているし、エソテリック盤も持っているのだが、でも音ではなくて内容なのだと思う。もっと極端にいえばディートリヒ・フィッシャー=ディースカウによる〈リベラ・メ〉の歌唱がその頂点にある。

全音のオイレンブルク版のスコアには、この曲の成立までの経緯が解説されていて参考になる。
最初は全部で5曲しかなく、7楽章に増やし、また各部を書き足していって最終稿ができあがったという。フォーレは管弦楽曲を書くことがあまり得意ではなかったとのことだが、レクイエムは他人の助けを得ずに書いたため 「結果は風変わりなものとなっている」 とある。
それは 「フル・オーケストラで鳴る部分は1小節もない」 というところにもあらわれていて、この曲にはオルガンが加わっているが、フォーレはもともと、オルガン伴奏だけのレクイエムで良いと思っていたような節がある。弦楽の音はオルガンで弾かれている音を単に分散しているだけに過ぎないような個所が多いからだ。
そして基本的にヴァイオリンが無い。ヴァイオリン・パートが加わっても、おざなりである。管楽器の使い方も同様にごく控えめだ。それでいてヴィオラとチェロにはそれぞれディヴィジの部分がある。そのため弦楽の重心は低く、それによってしっとりとした質感が生まれているようにも見える。
ヴァイオリンが無いのはブラームスのドイツ・レクイエムの最初でも、バッハのカンタータ18番でも見られるが特殊な効果を生み出す。

また、普通のレクイエムの書式なら用いられるべき歌詞を使っていないということも書かれている。ディエス・イレもラクリモサもないのは、フォーレが 「歌詞の劇的な扱いが必要とされる場合、それを除外した」 のだという。つまり 「容赦ない審判の日」 を外したというのだ。

〈リベラ・メ〉はチェロとコントラバスによる単純なピチカートの繰り返しパターンから始まる。オルガンもピチカートと同じ音にプラスして和音を弾くが、それはところどころに加わるヴィオラと同じ音だ。ヴィオラはほとんどが全音符でしかないのに、その暗くて強い音の重なり。ヴァイオリンは無い。そのシンプルな構成の上に乗るバリトン、フィッシャー=ディースカウの声は凜として深い。
最初のソロが終わって35小節4拍目からピアニシモでヴィオラが4分音符で5つの上行する音を刻み、37小節からコーラスとなるが、ソプラノとヴィオラの音はユニゾンで、ディヴィジになっているもう一方のヴィオラは3度上という、シンプルというよりは簡単過ぎるようなオーケストレーション。
さらに53小節からのPiù mosso、コーラスはDies illaと歌う。4分の6となり、決然としたホルンの、ずっと同じパターンと同じ音を吹き続けるだけのリズムのところどころにトロンボーンが重なる。劇的なものを除外したといわれるこの曲のなかで、最も劇的な暗い意思があらわれる。
ここからヴァイオリンが加わるが旋律線はヴィオラと同じで、弦の重なりの増強に過ぎない。コーラスが一区切りする69小節の最後で、ホルンの4つの4分音符に続いて、70小節目から83小節まで、4分休符+4分音符×5のパターンの執拗な繰り返しがさらに暗い輝きを増す。コーラスは次第に棒読みのようになり、やや曖昧な感じに収束していくところが上手い。
84小節から2分の2拍子、最初のリズムに戻り、そして92小節からコーラスがLibera meをユニゾンで歌う。このユニゾンのシンプルさと訴求力の高さは一種のおそろしさのような、と同時に諦念のような感情を同時にあらわしているように聞こえる。
コーラスが静まると124小節からバリトン・ソロが前をなぞるようにLibera meを歌い、131小節からピアニシモでコーラスが加わり、全体は溶暗のなかに消えてゆく。そのソロの1小節前、123小節から終わりまでずっと、ディヴィジになった一方のヴィオラがd音を持続させているのだ。

単純そうに見えて、ひとつひとつが揺るがせにできない音の連なりであることが次第にわかってくる。でもそれは単に構造的にわかろうとしているだけで、曲の本質は聴いてみたときの直感による。
最初に、そんなに考えもしないでレコード棚からフォーレを選び取った若い頃の私と、遙かな時間を経た今の私とは、年齢だけ重ねているけれど思っているほど進歩はなく、きっと同じに違いない。なぜならフォーレに対する想いと心の奪われかたは変わらないからである。若い頃の私は今の私を知らないが、そのときフォーレを選び取ったことは、未来の私に告げる予言のようなものだと無意識のなかで感じていたのかもしれない。


André Cluytens/Fauré: Requiem (ワーナーミュージック・ジャパン)
https://www.amazon.co.jp/dp/B00JBJWEM8/
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Fauré: Requiem (libera me)
André Cluytens/Dietrich Fischer-Dieskau
https://www.youtube.com/watch?v=JZN-THpFMfc

André Cluytens/Fauré: Requiem (全曲)
https://www.youtube.com/watch?v=tmrQHRnT4Mw

Laurence Equilbey/Fauré: Requiem (動きのあるYouTube・全曲)
https://www.youtube.com/watch?v=PnQl18sVyig
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星に願いを — ビル・エヴァンス [音楽]

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ビル・エヴァンスの1962年のアルバム《Interplay》はクインテットによる軽快な印象の佳盤である。軽快という形容は第1曲目の〈You and the Night and the Music〉(あなたと夜と音楽と) によるものだ。

1961年のヴィレッジ・ヴァンガードでのライヴ・レコーディングの後、突然、スコット・ラファロを失い、エヴァンスはしばらく活動を休止する。翌1962年、チャック・イスラエルをベーシストに迎えたピアノ・トリオで《Moon Beams》《How My Heart Sings!》をリリースするが、ハービー・マンを加えた《Nirvana》やジム・ホールとのデュオ《Undercurrent》、そしてフレディ・ハバードとジム・ホールに、リズム・セクションもパーシー・ヒース、フィリー・ジョー・ジョーンズというクインテットによるこのアルバム《Interplay》と、しばらく模索の時期が続く。
ただ、エヴァンスの本領はピアノトリオにあるので、ピアノトリオ以外のアルバムは、模索というよりは気分転換的な意味合いが強い。

《Interplay》は1961年初頭にレコーディングされたキャノンボール・アダレイ名義のアルバム《Know What I Mean?》(1962) と並んで、エヴァンスの音楽の明るい部分を捉えている。それはやはり管楽器という強いキャラクターが加入していることが大きい。

〈あなたと夜と音楽と〉[→a] におけるエヴァンスのソロは、フィレディ・ハバードの音に引っ張られるようにシャープでくっきりとしていて、爽やかな演奏である。普段ならピアノだけでテーマ部分を表現しなければならないのに、このアルバムでのテーマはトランペットとギターがからまり、全体的に華やかだ。
1959年にレコーディングされたMilestoneレーべルのアルバム《On Green Dolphin Street》(1975) にも〈あなたと夜と音楽と〉が収録されているが、ピアノトリオなので音数も少なく、それにやや無骨である。
では《Interplay》の〈あなたと夜と音楽と〉がなぜ軽快で洒落ているかというと、フレディ・ハバードとジム・ホールの演奏はもちろんだけれど、最も重要なのはパーシー・ヒースのベースである。単純に規則的に刻んでいる4ビートなのだが、その正確無比さとセンスの良さが楽曲全体を支配している。ラファロや、この後のレギュラーなピアノトリオの一員となるエディ・ゴメスのように音数の多い難しい弾き方をしなくても、十分に存在感を出すことのできるベースである。

そして〈あなたと夜と音楽と〉の次の曲、スローな〈When You Wish Upon a Star〉(星に願いを) の緩やかでしっとりとした肌合いで、見事にエヴァンス節が意識される [→b]。
〈星に願いを〉はネッド・ワシントン/リー・ハーラインによるディズニーのアニメ《ピノキオ》(1940) の主題歌であるが、このアルバムでのクインテットの演奏は、その有名なテーマをほとんど表に出さないようにわざと画策しているかのようだ。メロディは複数の楽器に分割され、コード進行だけが暗示的にほのかにテーマをかたちづくる。曲の終わり頃になって、やっと本来のメロディが出てくるが、ひねくれているといえばその通りだし、シャレていると言われても、ああなるほど、と答えるしかない。

比較対象としてたとえばキース・ジャレットを聴いてみると、ちょっと変わったアプローチから入るけれど、やがてわかりやすくテーマの提示がある。これがジャズの通常の展開である [→c]。
マイルス・デイヴィスが〈枯葉〉で、テーマをストレートに吹かないという手法を繰り返し使っていたことがあったが、しかしマイルスの場合、そうはいってもそのコード・プログレッションの流れを追うことは比較的容易であり、それは〈枯葉〉のほうが〈星に願いを〉より有名曲だから、ということかと考えると単純にそうとも言い切れない [→d]。エヴァンスの場合、どんなに音を崩していってもテーマの気配が残っていればそれでよいのだとする考えがあるようだが、それはやや高踏的な思い切りでもある。

今、聴いている《Interplay》は《Bill Evans 5 Original Albums》というリヴァーサイドの廉価盤セットのなかの1枚である。最近はオリジナルの収録曲以外に別テイクをプラスして発売されることが多いが、この廉価盤セットは、本来のオリジナルの仕様ということにこだわっているようだ。アルバム1枚で30分~40分くらいの短めな収録時間は、アナログレコードというメディアからくる制約なのだが、そのシンプルさが潔癖ともいえる美しさに転化しているのかもしれないと思ってしまうのである。


Bill Evans 5 Original Albums (Riverside)
Classic Album Selection




[a]
Bill Evans/You and the Night and the Music
https://www.youtube.com/watch?v=bxKo7kp5a6Y
[b]
Bill Evans/When Your Wish Upon a Star
https://www.youtube.com/watch?v=8kuKTHzI1jo
[c]
Keith Jarrett/When Your Wish Upon a Star
https://www.youtube.com/watch?v=gyntl24zkZs
[d]
Miles Davis/Autumn Leaves (live 1964)
https://www.youtube.com/watch?v=cuhFQAzgnFQ
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サンレコ10月号を読みながら、やがてちわきまゆみに [音楽]

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『Sound & Recording Magazine』10月号の表紙は中田ヤスタカ。でも、ポストEDMとか言われてもなぁ。EDM自体よく知らないし、EDMってジャンルとして広過ぎるような気がするし。
中田ヤスタカは、中田ヤスタカ個人としてのアルバムを出すみたいです。「今の日本だと、ボーカリストじゃない人の名義で作品が出ていたら、“?”って思う人が大半だと思うんです」 って言っているけど、そうなのか? その言葉だけで判断しちゃうと、ますます偏狭になっていくJ-popっていう感じがしますね。

そんなわけでパラパラ見ていても、つい、古いほうの話題に興味が行ってしまう。土岐麻子のベスト盤の紹介がありますが、プロデューサーであるトオミヨウとの会話が面白い。スタジオのなかにローズがあるのはいいとして、その上に乗っているRE-201っていうのがすごい。これ、テープエコーですが、やっぱりデジタルとは違うんだろうなぁ。エンドレステープという発想の、いかにもアナログライクなテープエコーっていうシステムを考えたこと自体がすごいと思います。
結局、こうしたアナログによるディレイとかプレートリヴァーブとかって、つまりスチームパンクですよね? (違うか)。

機器ついでにいうと、レヴューのなかではSE-02というローランドとスタジオ・エレクトロニクスのダブルネームになっているモノシンセに食指が動く。機器の上半分のデザインがスタジオ・エレクトロニクス、下半分のシークェンサー・ボタンみたいな部分のデザインがローランドで笑います。大きさもコンパクトだし本来のスタジオ・エレクトロニクスほどじゃないけど、遊べるよね。ローランド・ブランドっていうところに安心感があります。

それはまあいいとして、soundbreakingの世界という記事は、レコーディングに関するドキュメンタリー映像《soundbreaking》というDVDの紹介なんですが、ジョージ・マーティンをはじめとするサウンド・プロディースの歴史の話らしい。そのレヴュアーが岡野ハジメ。
私にとっての岡野ハジメはPinkではなくて (Pinkはよく知らないですけど、今、見ると時代性が色濃く表れているパフォーマンスでやや恥ずかしい)、さりとてラルクでもなくて、なんといってもちわきまゆみのイメージが大きい。

ちわきまゆみというとMean Machineというバンドもあったけれど、あれはお遊びだし、まゆみねえさんとか呼ばれて、もう黄昏れてる感じだし、で、重要なのは東芝EMI時代のアルバムです。1986年から88年にかけての3年間に限る。個人的な好みでは《Gloria》です。
ちわきの言っていることは、たとえば来日したマーク・ボランに会ったとか、年齢と実際の音楽シーンが少しズレてるような気がするんだけど、つまりそれだけ彼女が早熟だったということ。

岡野ハジメはグラムロックなんてもう忘れられてしまった時代にグラムだった。イエモンの菊地英昭とかマルコシアス・バンプとかもグラムの香りがするけど、岡野のグラムっぽいファッションは本当に俗悪なグラムで (ほめ言葉です)、そういうファッションの岡野がバックにいるちわきまゆみの動画を見たことがあるんだけど探せませんでした。

ちわきの衣裳はグラムというよりボンデージというのかコスプレっぽくって、そういうのがカルト的には流行ってたのかもしれないけど、表面的には徒花みたいで、それがカッコイイんです。
〈CiNIMACHiNEBURA〉はアナログの12インチシングルしかないけれど、最もボンデージしてます。〈リトルスージー〉のイントロはボランの〈20th Century Boy〉のパクリですね。
それとFMでヤン冨田とちわきのDJ番組があって、変な曲ばかりかけていて、すっごくさりげなくアヴァンギャルドだった記憶があるのですが、う〜ん、記憶違いなのかもしれない。

尚、《Gloria》のCDにはジャケット違いのデジパックがあります。偶然、ヤフオクで手に入れた。内容は同じだけれど。
ということでサンレコから話題はズレまくりでした。


Sound & Recording Magazine 2017年10月号
(リットーミュージック)
Sound & Recording Magazine (サウンド アンド レコーディング マガジン) 2017年 10月号 [雑誌]




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PINK/Maxell CM: Keep Your View
https://www.youtube.com/watch?v=HzUU-fdj2aE

PINK/Climb, Baby Climb
https://www.youtube.com/watch?v=5lSFCnPZmT8

ちわきまゆみ/リトルスージー
https://www.youtube.com/watch?v=_7odpF5hURM

Roland Boutique SE-02
https://www.youtube.com/watch?v=zYLloIcu7us&feature=youtu.be
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